JANOSKA ENSEMBLE

Le Janoska Ensemble est composé des trois frères Ondrej, František et Roman Janoska, originaires de Bratislava, et de leur beau-frère Julius Darvas. Chacun d’eux a suivi une formation classique soliste de haut niveau récompensée par de nombreux prix, et la tradition musicale est profondément enracinée dans leur famille depuis plus de six générations. La formation slovaque donne en moyenne plus de 100 concerts par an dans toutes les salles et festivals renommés du monde entier.

Enregistrant chez Deutsche Grammophon, il a signé en 2016 son premier album : “Janoska Style”, aussitôt acclamé par la presse et rapidement récompensé (Disque d’or), puis “Revolution”, enregistré dans les légendaires studios Abbey Road à Londres et paru en 2019, et plus récemment en 2022, “The Big B’s” qui remporte un franc succès et se hisse au rang des meilleures ventes du label. Un quatrième album, “The Four Seasons”, paru en novembre 2024, marque le 300ème anniversaire de la création du chef d’œuvre de Vivaldi, à travers le style Janoska.

Mais qu’est-ce exactement que le “style Janoska” ? Des œuvres classiques dans de nouveaux arrangements, des influences qui se prolongent dans la musique d’aujourd’hui ! Un élément clé est l’art perdu de l’improvisation, notamment basé sur la musique classique. L’ensemble Janoska crée de nouvelles synergies, des ponts inédits entre l’original et son interprétation moderne, associés à une fusion d’improvisation et de créativité : en bref, le style Janoska.

« J’ai été très impressionné par la découverte de l’ensemble Janoska, par leur sonorité unique associée à un jeu virtuose de très haute qualité. Leurs interprétations passionnantes et leurs arrangements créatifs dans leur propre style très individuel produisent une nouvelle approche très innovante et rafraîchissante de la création musicale. Je leur souhaite le grand succès qu’ils méritent ! » – Mischa Maisky, violoncelliste

Les quatre membres de l’ensemble Janoska remplissent parfaitement tous les critères du « style Janoska » : une solide formation classique, des décennies de pratique du jeu depuis l’enfance, une tradition musicale profondément enracinée, un niveau de perfection technique élevé et une profonde joie de jouer et de se produire, y compris l’art de l’improvisation libre. Tout cela fait de l’ensemble plus que la somme de ses parties, c’est plutôt une famille musicale parfaitement équilibrée. Le contrebassiste Julius Darvas est également le maître de cérémonie du concert. Il décrit ainsi l’« effet Janoska », comme il appelle l’interaction au cours d’un concert : « L’humeur du public a un effet direct sur notre enthousiasme à jouer, surtout lorsqu’il s’agit d’improvisation : nous donnons – nous recevons – nous donnons plus – nous recevons plus… et ainsi de suite. Ensuite, l’énergie commence à circuler correctement dans la salle de concert ! ».

Ondrej JANOSKA, violon
Roman JANOSKA, violon
František JANOSKA, piano
Julius DARVAS, contrebasse

Tatarstan National Symphony Orchestra

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan (TNSO) est mondialement reconnu pour ses performances sophistiquées et ses programmes éclectiques. L’orchestre a été créé à l’initiative de Nazib Zhiganov, ancien président de l’Union du Tatarstan et doyen du Conservatoire de Kazan. En 1966, il reçoit l’autorisation et le financement du Conseil des ministres de la république Socialiste Fédérative Soviétique Russe pour créer un orchestre symphonique. Le TNSO donne son premier concert le 10 avril 1967, avec un programme comprenant du Bach, Chostakovitch et Prokofiev et sous la direction de son premier chef et directeur musical, Natan Rakhlin.

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan, désormais sous la direction d’Alexander Sladkovsky, joue régulièrement dans les grandes villes de Russie, mais se produit également dans le monde entier à l’occasion de festivals comme les Saisons de Rakhlin, White Lilac, l’Automne de Kazan, et le festival de musique contemporaine « Concordia », au Festival Crescendo, Stars on Baikal et The Cherry Orchard.

Le TNSO a une grande tradition de collaboration avec les plus grands solistes instrumentaux et vocaux à l’image de Krzysztof Penderecki, Galina Vishnevskaya, Irina Arkhipova, Olga Borodina, Hibla Gerzmava, Albina Shagimuratova, Simone Kermes, Plácido Domingo, Roberto Alagna, Dmitry Hvorostovsky, Nikolaj Znaider, Leonidas Kavakos, Sergei Krylov, Gidon Kremer, Pavel Milyukov, Lucas Debargue, Yuri Bashmet, David Geringas, Boris Berezovsky, Krzysztof Penderecki, Barry Douglas and Igor Butman et bien d’autres.

L’Orchestre est aussi reconnu pour son engagement social et altruiste : il a reçu le Prix Philanthrope de l’année deux fois de la part du Président de la République du Tatarstan.

De plus, l’orchestre soutient, grâce au projet « Republic’s Heritage », des jeunes musiciens et élèves du conservatoire grâce à des bourses et divers projets pédagogiques. L’orchestre a également développé un projet spécial pour aider les enfants handicapés grâce à la musique.

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan enregistre chez Sony Music Entertainment Russia et a également enregistré plusieurs albums chez Sony Classical et RCA Red Seal. Leurs concerts sont souvent retransmis sur Medici.tv et Mezzo.

SINFONIA VARSOVIA

En avril 1984, Yehudi Menuhin est invité par l’Orchestre de Chambre Polonais en tant que soliste et chef d’orchestre. Afin de faire face aux exigences du répertoire, l’orchestre agrandit sa formation. Ces concerts sont retransmis à la radio et à la télévision et rencontrent un accueil enthousiaste du public et des critiques. L’idée naît alors de créer un orchestre permanent composé d’instruments à cordes et d’une double section d’instruments à vents. A l’invitation du Directeur de l’orchestre, Franciszek Wybranczyk, Sir Yehudi Menuhin devient premier chef d’orchestre invité, qui prend alors le nom de Sinfonia Varsovia.

Sinfonia Varsovia se produit dans les salles les plus prestigieuses dans le monde entier : à New York (Carnegie Hall), Paris (Théâtre des Champs Elysées), Londres (Barbican Center), Vienne (Musikverein), Buenos Aires (Teatro Colon), Tokyo (Suntory Hall), Munich (Herkulessaal). L’orchestre est régulièrement par les festivals de Salzbourg, Gstaad (Yehudi Menuhin Festival), Aix en Provence, Montreux, La Roque d’Anthéron, Schleswig-Holstein, le festival Pablo Casals, Würzburg, Alte Oper (Frankfurt am Main), le festival « Music on the Sea », etc. La Folle Journée occupe une place particulière dans la saison artistique de l’orchestre. Invité par René Martin, le Sinfonia Varsovia se produit chaque année à Nantes, Bilbao, Lisbonne, Tokyo et Rio de Janeiro.

Le répertoire de l’orchestre est quasiment illimité, allant du 18ème siècle aux œuvres contemporaines. Sinfonia Varsovia a créé de nombreuses œuvres.

L’orchestre se produit avec les plus grands chefs d’orchestre tels que Claudio Abbado, Gerd Albrecht, Peter Csaba, Charles Dutoit, Rafael Fruhbeck de Burgos, Hans Graf, Leopold Hager, Jacek Kaspszyk, Kazimierz Kord, Jan Krenz, Emmanuel Krivine, Witold Lutoslawski, Paul Mc Creesh, Jerzy Maksymiuk, Yehudi Menuhin, Marc Minkowski, Grzegorz Nowak, Krysztof Penderecki, Michel Plasson, Mscislaw Rostropvitch, Volker Schmidt-Gertenbach, Jerzy Semkov, Antoni Wit, Bruno Weil… et les solistes les plus prestigieux tels que Salvatore Accardo, Piotr Anderszewski, Maurice André, Martha Argerich, Yuri Bashmet, Teresa Berganza, Rafal Blechacz, Alfred Brendel, Jose Carreras, Sarah Chang, Kyung-Wha Chung, Jose Cura, Placido Domingo, Augustin Dumay, nelson Freire, James Galway, Fou Ts’ong, Sharon Kam, Kiri Te Kanawa, Nigel Kennedy, Gidon Kremer, Alicia de Larrocha, Elisabeth Leonskaja, Christa Ludwig, Radu Lupu, Albrecht Mayer, Mischa Maisky, Yehudi Menuhin, Shlomo Mintz, Olli Mustonen, Anne-Sophie Mutter, Olga Pasiecznik, Murray Perahia, Maria Joao Pires, Jean-Pierre Rampal, Vadim Repin, Katia Ricciarelli, Mscislaw Rostropovitch, Heinrich Schiff, Henryk Szeryng, Maxim Vengerov, Andras Vollenweider, Christian Zacharias, Frank Peter Zimmermann, Tabea Zimmermann, Grigorij Zyslin.

Sinfonia Varsovia soutient également les jeunes artistes polonais, ils ont en outre travaillé avec les chefs d’orchestre Iwona Sowinska, Wojciech Rodek, Krzysztof Urbanski, les jeunes violonistes Agata Szymczewka, Jakub Jakowicz, Mariusz Patyra, Aleksandra Bucholc, Anna Gutowska, et les chanteurs Iwona Sobotka et Aleksandra Kurzak ou encore la pianiste Beata Bilinska.

Sinfonia Varsovia enregistre régulièrement pour Deutsche Gramophon, Decca, Virgin Classics, EMI, Mirare, Naxos, Denon Nippon Columbia, Sony BMG ainsi que les labels polonais CD Accord, Polskie nagrania, Bearton & DUX et pour la radio polonaise. L’orchestre possède une discographie déjà riche de plus de 200 titres dont beaucoup ont reçu des récompenses prestigieuses telles que le Diapason d’Or, le Grand Prix du Disque et plusieurs « statuettes Fryderyk » (récompense polonaise). Parmi les nombreux enregistrements, on peut citer l’album « Polish symphonic music of the 19th century » (CD Accord/Radio polonaise), « Martha Argerich – live in the Grand Theatre-National Opera » (CD Accord), les enregistrements de la 3ème Symphonie de Gorecki (Naïve), les Concertos pour piano de Mozart avecPiottr Anderszewski (Virgin), les œuvres de Szymanowski dirigées par Jerzy Mksymiuk (Bearton) et l’album « la clarinette romantique » avec Sharon Kam (Edel Classics). Les 3 disques (Bach, Mozart, Haendel) avec Albrecht Mayer pour Deutsche Grammophon ont été un grand succès à la fois artistique et commercial, en tête des ventes pendant plusieurs semaines. L’album enregistré avec Nigel Kennedy et l’orchestre de chambre de Pologne « Polish spirit » avec Mieczyslaw Karlowicz et le concerto pour violon d’Emil Mlynarski (EMI) a été distribué dans le monde entier et a largement contribué à la promotion de la musique polonaise. L’orchestre a également enregistré beaucoup de disques sous la direction de Yehudi Menuhin, notamment les intégrales des symphonies de Beethoven et de Schubert pour IMG Record en 1996 à l’occasion du 80ème anniversaire du maestro.

Krysztof Penderecki, chef invité du Sinfonia Varsovia depuis plusieurs années, devient en 1997 directeur musical, puis en 2003 directeur artistique de l’orchestre. Sinfonia Varsovia joue régulièrement ses œuvres dont Sinfonietta per Archi, Sinfonietta n°2, Concerto pour flûte, Concert pou ralto (également une version pour violoncelle et clarinette), Stabat Mater, De Profundis, Credo, Sept Portes de Jérusalem. Krysztof Penderecki a enregistré plusieurs disques avec Sinfonia Varsovia dont un album avec ses œuvres.

Depuis juin 2008, Marc Minkowski est le directeur musical de Sinfonia Varsovia.

Depuis le 31 décembre 2007, l’orchestre opère depuis le St. I. Witkiewicz Studio Art Centre à Warsaw.
Le 1er janvier 2008, Sinfonia Varsovia Orchestra devient une institution culturelle du conseil.

Le coordinateur de l’orchestre est la capitale de Varsovie.

En 2010, Sinfonia Varsovia Orchestra a eu une nouvelle maison au 272 Grochowska Street à Warsaw’s Praga District. Cette année, les autorités de la ville de Warsaw ont annonce une compétition concours international pour la conception d’une salle de concert et le développement architectural du nouveau siège de l’Orchestre. Le dessin gagnant a été réalisé par l’Atelier Thomas Pucher de Graz (Autriche). En 2015, en présence de la présidente de la capitale Varsovie, Mme Hanna Gronkiewicz-Waltz, l’architecte Thomas Pucher et Janusz Marynowski, directeur de l’orchestre Sinfonia Varsovia, a été signé un contrat portant sur la fourniture de la documentation de conception pour une nouvelle salle de concert, pour Sinfonia Varsovia et pour le développement de la propriété située au 272, rue Grochowska. Le premier concert dans la nouvelle installation doit avoir lieu au printemps 2024

En 2019, l’orchestre Sinfonia Varsovia célèbre le 35e anniversaire de son activité.

Les activités artistiques de Sinfonia Varsovia sont soutenues par POLSERVICE Patent & Trademark Attorneys Office et BANK BPH.

En 2000, Franciszek Wybranczyk crée la Fondation Sinfonia Varsovia dont l’action contribue notamment à la promotion des compositeurs polonais et à la découverte des jeunes talents. La Fondation organise chaque année depuis 2000 à Varsovie le festival « Franciszek Wybranczyk -Sinfonia Varsovia pour sa ville ».

Le soutien principal de Sinfonia Varsovia est la ville de Varsovie.

SPARK – THE CLASSICAL BAND

SPARK – The Classical Band

Spark repense la musique classique. Le quintette présente Bach, Vivaldi, Mozart & Co dans un contexte rafraîchi et crée des liens avec les sonorités et l’esprit du temps présent. Classiques au fond d’eux-mêmes, se montrant indépendants, curieux et décalés à l’extérieur, les cinq musiciens plantent leurs idées dans un espace ouvert entre musique classique, minimal music, électro et avant-garde. Ils mélangent les styles avec enthousiasme et nonchalance et explorent les variations sonores qu’offrent leur riche collection d’instruments de plus de 40 flûtes différentes, violon, alto, violoncelle, mélodica et piano. Aucun morceau ne ressemble à un autre et, pourtant, tous portent la signature personnelle, unique de cet ensemble vibrant. Fondée en 2007 et récompensée en 2011 avec le prix prestigieux « ECHO Klassik », la formation s’est fait une place solide à la tête de la jeune scène classique créative. Entretemps, le quintette est chez lui sur les scènes et dans les festivals les plus célèbres du monde entier, qu’il s’agisse de concerts de musique de chambre à cinq ou comme ensemble soliste avec orchestre. Le groupe est apprécié de ses fans surtout pour ses spectacles live enthousiasmants qui dégagent une puissante énergie. Sur scène, les cinq musiciens d’exception respirent la vitalité débordante et la force vibrante d’un groupe de rock. Ensemble, ils présentent une musique passionnée qui met le feu. Ensemble, ils sont Spark.

Coexistence naturelle des époques et des genres

Les programmes de Spark sont animés de transitions rapides et révèlent la fusion simultanée de différentes époques et de genres. Leurs sons sont dans l’air du temps et ouvrent littéralement les portes du monde de la musique classique à un jeune public. Ils opposent des sons techno contemporains à la musique de ballet du jeune Mozart, incorporent des motifs de Haendel dans des séquences, remplacent le mouvement final d’un concerto de Vivaldi par de la musique minimaliste néerlandaise, transforment Couperin en un collage d’ambiance ralenti, donnent à Mendelssohn une coloration avant-gardiste et folklorique, et permettent à Bach d’entamer un dialogue passionnant avec Berio et les Beatles. Le Wiener Zeitung parle de « mondes sonores rafraîchissants, réunis dans un concept exceptionnel ». Rien n’est un but en soi ou une pure recherche d’effets acharnée. Ici on travaille avec beaucoup de soin et de savoir-faire mais aussi avec la pincée nécessaire du plaisir d’expérimenter. La musique classique prend des tonalités d’ici et maintenant, jouée par des musiciens qui vivent leur message. « Ces artistes gardent à la musique classique toute sa complexité », selon le Süddeutsche Zeitung, « ils changent seulement le contexte et montrent ainsi que pour eux, la musique pop fait autant partie de la culture que la musique classique. » Le journal français L’Alsace écrit : « Ici s’expriment cinq musiciens, qui sont, avant tout, des grands interprètes, des artistes confirmés, maîtrisant pleinement la pratique de leurs instruments, ce qui leur permet de jouer toutes sortes de musiques, sans se cantonner dans un genre. » Le journal Die Welt parle d’un « groupe très, très calé » et de Volkskrant néerlandais compte Spark parmi les quelques ensembles « qui ont le potentiel d’associer de manière convaincante les influences de la pop et de la dance à la musique classique ». Le American Record Guide voit dans Spark un « véritable phénomène de la scène musicale classique, qui ressemble à Yo-Yo Ma ou au quartette Kronos, mais avec plus de vivacité ».

Œuvres modernes sur commande

Outre les œuvres classiques intelligemment arrangées, Spark porte également attention à la musique moderne et travaille avec un cercle de compositeurs internationalement connus. Notamment Johannes Motschmann, Chiel Meijering, Kenji Bunch, Kamran Ince, Roger Wanamo, Jonne Valtonen, Lev Ljova Zhurbin, Sebastian Bartmann et Elena Kats-Chernin ont créé pour Spark des œuvres sur mesure qui prennent en compte la large palette de sons et la virtuosité magistrale du groupe. Totalement différentes dans leur expression sonore respective, ces compositions ont en commun leur orientation sonore de base et l’assimilation des mondes musicaux les plus différents. Le résultat est un cosmos musical fascinant qui reste accessible à un large public. C’est une musique originale, qui est agréable à écouter, équilibrée, animée, qui révèle en même temps une apparence totalement moderne. Les compositions personnelles des membres du groupe enrichissent l’éventail de l’ensemble et soulignent la position des cinq musiciens. Ils ne se considèrent pas comme des interprètes purs, mais comme des artistes qui façonnent leur profil à tous les niveaux en toute autonomie et avec créativité. Ils représentent ainsi la nouvelle perception de soi d’une jeune génération de musiciens classiques qui redéfinit pour elle-même la vision de la tradition classique.

A l’aise sur les scènes du monde

De nombreuses et importantes salles de concert ont déjà accueilli Spark, parmi lesquelles le Wiener Musikverein, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Konzerthaus de Berlin, la Philharmonie de Cologne, le Alte Oper de Francfort, le Gasteig à Munich, le Barbican Centre à Londres, le Flagey à Bruxelles, le Gran Teatre del Liceu à Barcelone, le National Concert Hall à Taïpeh, le Shanghai Oriental Art Center, le Festival du Schleswig-Holstein, le Festival de la Rheingau, le Open-Air-Festival néerlandais de musique classique Wonderfeel, le Festival Musiq‘3, le Festival van Vlaanderen, La Folle Journée à Nantes, Tokyo et Varsovie, Les Dominicains de Haute-Alsace à Guebwiller, le Festival C’est pas Classique à Nice, le Musée en musique à Grenoble et le Festival de Musique de Menton. En juillet 2019, Spark a donné un concert au château de Bellevue à Berlin à l’invitation du président fédéral Frank-Walter Steinmeier, lors de la réception officielle du président irlandais Michael Daniel Higgins. Spark a été ensemble en résidence dans plusieurs festivals renommés, notamment le Bodenseefestival (2022) et le Schwetzinger SWR Festspiele (2025). Depuis quelques années, le groupe se produit en outre régulièrement comme groupe soliste avec orchestres, jouant les premières d’œuvres spécialement écrites pour Spark et orchestre. L’ensemble s’est notamment produit en concerts avec le London Symphony Orchestra, le WDR Funkhausorchester Köln, le Opern- und Museumsorchester de Francfort, le Nederlands Kamerorkest, le Residentie Orkest Den Haag, le Deutsches Kammerorchester Berlin, le Folkwang Kammerorchester Essen, le Württembergisches Kammerorchester et le Südwestdeutsches Kammerorchester.

Projets de coopération passionnants

Des projets de collaboration extraordinaires réunissent Spark avec d’autres libres penseurs de la scène musicale classique. Avec le contre-ténor mondialement connu Valer Sabadus, le groupe a conçu le programme Closer to Paradise (Au plus près du paradis), qui transforme le désir en une expérience sonore – de l’air de Haendel à la reprise de Rammstein. Ce programme a été apprécié par le public et la presse spécialisée et a été nominé pour un Opus Klassik 2020 dans la catégorie « Expérience de concert innovante de l’année ». Avec le chœur de garçons de Windsbach et son chef d’orchestre et directeur artistique Ludwig Böhme, l’ensemble a conçu un programme pour commémorer le 350e anniversaire de la mort du grand poète Paul Gerhardt. L’approche radicalement nouvelle de Spark de la musique classique rencontre également un vif intérêt auprès des collègues musiciens d’autres secteurs et aussi en dehors de l’environnement classique traditionnel : En collaboration avec l’auteure-compositrice-interprète irlandaise Wallis Bird, le groupe a fait résonner 1000 ans d’histoire musicale féminine dans le programme Visions of Venus. En coopération avec la chanteuse de jazz Sandie Wollasch, Spark a conçu le programme Shine & Shade, qui présentait des chansons, des classiques et des morceaux de différents genres dans un jeu d’ombres et de lumières. Le beatboxer Robeat, finaliste du Supertalent allemand, a fourni des rythmes vifs pour le titre de Spark, Harde Puntjes. La chanteuse Kitty Hoff a interprété la chanson populaire allemande Ich hab die Nacht geträumet dans un murmure avec des sons de Spark. Et le DJ berlinois Emanuel Satie a fait résonner Candybox de Spark dans un remix passionnant. Il est donc pas étonnant que le groupe soit également un invité bienvenu dans les clubs de jazz, les festivals rock et pop ainsi que sur les scènes alternatives, notamment au Festival de la Reeperbahn à Hambourg, au Theaterhaus de Stuttgart, au Tollhaus de Karlsruhe, au Festival Ulmer Zelt, au Zelt-Musik-Festival de Fribourg-en-Brisgau, dans l’E-Werk de Erlangen, au Kulturufer à Friedrichshafen et dans le célèbre club techno Berghain à Berlin. Dès que leur agenda le permet, Spark se rend en outre dans les écoles et centres de jeunesse, la plupart du temps en collaboration avec l’institution Rhapsody in School. Le groupe souhaite dès aujourd’hui, faire la connaissance et comprendre les auditeurs de musique classique de demain.

Albums primés

En septembre 2010, le groupe a sorti son premier album, Downtown Illusions, qui faisait du melting-pot urbain une expérience musicale époustouflante. MusikWoche a classé l’album parmi « l’une des plus grandes surprises de l’année ». Audiophile Audition a écrit que « le groupe donne une expression radicalement innovatrice à la musique de chambre et la scène internationale en général ». L’album devint un grand succès et se hissa à la 1ère place du classement Amazon de musique classique en Allemagne. En 2011, Spark a gagné le fameux prix ECHO Klassik dans la catégorie « Classique sans frontières » pour Downtown Illusions. Avec les albums Folk Tunes, Wild Territories, On the Dancefloor et Be Baroque ainsi que l’album live Facets of Infinity, qui a réuni Spark en tant que groupe soliste avec le Frankfurter Opern- und Museumsorchester dirigé par Sebastian Weigle, l’ensemble a étendu sa réputation de créateur de tendances sur la scène de la musique classique. Le groupe a été nominé à plusieurs reprises pour le Prix de la critique allemande du disque et le prix OPUS Klassik, notamment dans les catégories « Classique sans frontières » (2018), « Clip vidéo de l’année » (2021) et « Ensemble de l’année » (2021). Le printemps 2022 a vu la sortie du dernier enregistrement de Spark: Closer to Paradise, le projet de collaboration avec le contre-ténor Valer Sabadus. Presque toutes les œuvres du projet ont été arrangées, réinterprétées ou composées par les membres du groupe. L’album a passé plusieurs semaines dans le top 10 des classements de musique classique allemands et a été inclus dans de nombreuses listes de meilleures critiques. Deux ans plus tard, l’album Visions of Venus a suivi, sur lequel Spark, en collaboration avec Wallis Bird, fait entendre des compositrices de tous genres, du Moyen Âge à l’époque moderne. Ce projet qui tenait particulièrement à cœur aux six musiciens a notamment été sélectionné pour le Prix de la critique allemande du disque et l’OPUS Klassik. Outre les albums studio, il existe une multitude d’enregistrements radio et TV de nombreux concerts live de l’ensemble, notamment par Radio 4 Nederland, NPO Nederland, Radio Classique, Radio Musiq`3, ARD, ZDF, 3sat, SWR, NDR, WDR, HR, BR, rbb, Deutschlandradio, Radio Bremen et NHK Tokyo.

Classique sans frontières

De façon surprenante, Spark met en lumière précisément un instrument controversé : la flûte à bec. Mais les fondateurs du groupe, Daniel Koschitzki et Andrea Ritter, tous les deux vainqueurs de grands concours internationaux de solistes à Londres et à Montréal, jouent de cet instrument avec une telle verve que le cliché de l’instrument de pitié pour enfants est mis sur orbite dès leurs premières notes. La Südwestpresse félicite les deux flûtistes : « Les flûtes à bec sont certainement rarement entendues de manière aussi rythmique, aussi expressive, aussi furieuse. » A leurs côtés trois partenaires à l’unisson, également lauréats de prix internationaux, le violoniste Stefan Balazsovics, la violoncelliste Isabel García Castro et le pianiste Christian Fritz, qui partagent leur souhait de nouvelles formes d’expression et donnent un visage à la vision de Spark. Ensemble, les cinq musiciens conquièrent la scène avec un mélange coloré d’instruments. Cela va de la flûte à bec sopranino de 20 centimètres de long à la contrebasse à section carrée de 2 mètres de haut, du trio pour piano classique aux couleurs exotiques des flûtes modernes à une clé, un mélodica et une flûte à coulisse. C’est ainsi que Spark se découvre morceau après morceau. La surprise est au programme. Tout autour du globe, les gens se laissent entraîner par l’association experte de la tradition et des tendances et aiment le message de Spark : La bonne musique ne connaît pas de frontières !

VOCES8

« Le chant de VOCES8 est irréprochable dans la qualité de sa tonalité et dans l’équilibre. Ils apportent une nouvelle dimension au mot ‘ensemble’ grâce à un timing et une justesse méticuleux. »
Gramophone Magazine

« Le magnifique son de VOCES8, leur ensemble irréprochable et leur réactivité intense au texte, à l’harmonie et à la mélodie sont d’une qualité exceptionnelle. Les entendre chanter est un pur plaisir. »
BBC Music Magazine

« VOCES8 est le Rolls-Royce des ensembles britanniques a cappella. »
The Arts Desk

Andrea Haines, soprano
Molly Noon, soprano
Katie Jeffries-Harris, alto
Barnaby Smith, alto et directeur artistique
Blake Morgan, ténor
Euan Williamson, ténor
Christopher Moore, baryton
Dominic Carver, basse

L’ensemble vocal britannique VOCES8, nominé pour un Grammy Award en 2023, est fier d’inspirer les gens à travers la musique et de partager la joie du chant. En tournée dans le monde entier, le groupe interprète un répertoire varié, tant dans ses concerts a cappella que dans des collaborations avec des musiciens, orchestres, chefs d’orchestre et solistes de renom. La polyvalence et la célébration de l’expression musicale diverse sont au cœur de l’éthique de performance et d’éducation de l’ensemble, partagée en ligne et en personne. VOCES8 est le groupe vocal classique le plus écouté en streaming au monde.

Depuis sa création en 2005, VOCES8 a interprété dans de nombreuses salles prestigieuses telles que le Wigmore Hall, l’Elbphilharmonie de Hambourg, la Philharmonie de Berlin, la Cité de la Musique à Paris, le Konzerthaus de Vienne, Tokyo Opera City, le NCPA de Pékin, l’Opéra de Sydney, la Salle de Concert du Théâtre Mariinsky, le Victoria Concert Hall de Singapour, le Palacio de Bellas Artes à Mexico, entre autres. Cette saison, ils se produiront dans plus de 100 concerts à travers le monde, marquant leur 20e saison anniversaire, avec un concert de célébration à l’occasion de leur anniversaire au Barbican à Londres.

Ils ont collaboré en concert et en studio avec des musiciens tels que Paul Simon, Jacob Collier, Eric Whitacre, Christopher Tin, Olafur Arnalds, Cody Fry, Rachel Podger, Jack Liebeck, Bomsori Kim, Jonathan Dove, Chanticleer, The King’s Singers, l’Orchestre symphonique du Queensland, l’Orchestre de chambre anglais, l’Orchestre philharmonique royal, l’Orchestre Philharmonia et bien d’autres.

VOCES8 est passionné par l’éducation musicale et est l’ensemble phare de la fondation musicale caritative VOCES8 Foundation, qui promeut activement la « Musique pour tous ». L’organisation mène un large éventail d’activités de sensibilisation en personne, atteignant jusqu’à 40 000 personnes par an, et organise un programme annuel d’ateliers et de masterclasses au VOCES8 Centre à l’église St Anne & St Agnes à Londres. Dévouée à soutenir les jeunes chanteurs prometteurs, la fondation VOCES8 attribue huit bourses chorales annuelles dans le cadre de l’initiative VOCES8 Scholars. Ces bourses sont liées à l’école d’été de Milton Abbey, où les chanteurs amateurs de tous âges apprennent et se produisent avec VOCES8. Par l’intermédiaire de la VOCES8 USA Foundation, un autre groupe de douze jeunes talents bénéficie également de ces bourses.

L’esprit entrepreneurial et communautaire de VOCES8 est nourri par ses cofondateurs Paul et Barnaby Smith. La pandémie de Covid-19 a incité VOCES8 à transformer ses offres déjà exceptionnelles, créant une nouvelle communauté d’audience en ligne et offrant la possibilité de découvrir la musique classique sous de nouvelles formes. Parmi les initiatives pionnières, on trouve le festival en ligne LIVE From London et l’Académie numérique VOCES8.

LIVE From London a été créé en réponse spécifique à la pandémie. Salué pour son approche collaborative avec des artistes, la presse et le public du monde entier, le festival a diffusé douze festivals numériques à ce jour, avec plus de 150 concerts et plus de 250 000 billets vendus dans le monde entier. Cette saison, il y aura des festivals en ligne de Noël et d’été. L’Académie numérique VOCES8 est un programme chorale en ligne pour les lycées, collèges et particuliers, offrant une interaction en direct avec les membres de l’ensemble, des conférences en direct et enregistrées, ainsi que des ressources vidéo pour apprendre et interpréter de la musique de la Renaissance à nos jours. Ces deux programmes sont filmés par VOCES8 Studios, la société d’enregistrement interne de l’ensemble.

En plus de leur travail en ligne, VOCES8 est régulièrement entendu sur des albums, des émissions de télévision et de radio internationales. L’ensemble est un artiste Decca Classics, publiant également sur son propre label, VOCES8 Records. L’enregistrement Decca Classics de « The Lost Birds » de Christopher Tin, avec VOCES8 et le Royal Philharmonic Orchestra, a été nominé pour un Grammy Award en 2023. Leur nouvel album, Nightfall, est une collection de musique réfléchie et transcendante inspirée de la nuit. Parmi leurs récentes sorties figurent A Choral Christmas ; Home, dirigé par Eric Whitacre, avec son œuvre extraordinaire The Sacred Veil, qui a atteint le sommet des classements classiques au Royaume-Uni et aux États-Unis ; et Seven Psalms de Paul Simon, auquel VOCES8 a eu le plaisir de participer.

VOCES8 est fier de collaborer avec Ken Burton en tant que compositeur en résidence et Jim Clements en tant qu’arrangeur en résidence. L’ensemble a créé des premières de commandes de Jonathan Dove, Roxanna Panufnik, Roderick Williams, Paul Smith, Jason Max Ferdinand, Jocelyn Hagen, Melissa Dunphy, Ken Williams, Taylor Scott Davis, Alexander Levine, Alexia Sloane, Alec Roth, Ben Parry, Ola Gjeilo, Mårten Jansson, Philip Stopford, Graham Lack, Thomas Hewitt Jones et Owain Park, et a commandé un ensemble de nouvelles œuvres pour son 20e anniversaire. Ils publient des arrangements de leur musique, des compositions originales et du matériel éducatif avec la nouvelle maison d’édition numérique VOCES8 Publishing, ainsi qu’avec E.C. Schirmer, avec qui ils créent la série vocale de la VOCES8 Foundation, et avec Edition Peters, avec qui ils ont publié deux anthologies et une série de partitions individuelles. La méthode VOCES8, écrite par Paul Smith, est un outil pédagogique renommé et unique désormais disponible en quatre langues, qui adapte la musique pour améliorer le développement des compétences en numératie, littératie et linguistique.

La gestion générale de VOCES8 est assurée par Robin Tyson chez Podium Music Ltd.

Sites web :
www.voces8.com
www.voces8.foundation

ENSEMBLE CALMUS

Un mélange parfait de son, précision, légèreté et d’esprit. Telles sont les caractéristiques  de Calmus, qui est aujourd’hui l’un des groupes vocaux les plus renommés en Allemagne.
L’ensemble a réussi à forger un son raffiné que peu de groupes réussissent à atteindre. Leur large répertoire, leur imagination, leurs couleurs musicales et leurs succès à chaque concert sont soulignés par la presse.

Calmus est un groupe vocal de la ville de Bach, Leipzig. En 1999, les chanteurs se produisent pour la première fois en public avec leur ensemble tout juste créé, et le succès est au rendez-vous.

Ils ont depuis remporté un grand nombre de concours internationaux et se produisent en Allemagne, Belgique, Luxembourg, Suisse, France, Autriche, Irlande, Finlande, Portugal, Espagne et Amérique du Nord et du Sud. En 2010, le quintette a fait son premier concert au Carnegie Hall de New York. Calmus participe également à plusieurs festivals tels que le Bach-Festival de Leipzig, la Semaine Internationale du Chant a cappella à Hanovre, et au Schleswig-Holstein-Music Festival, où ils donnent aussi des Master Classes.

Ils s’inscrivent dans la tradition vieille de presque 800 ans du chœur de Saint-Thomas de Leipzig. En dehors de J.S. Bach et de la musique allemande de la Renaissance et du Baroque, du Chant Grégorien, leur répertoire couvre aussi la musique romantique et contemporaine, du pop, folk et jazz. Les chanteurs se prêtent aussi volontiers à des projets transdisciplinaires.

En 2002, l’Ensemble Calmus a été choisi pour participer au concours national « Konzerte Junger Künstler ». Ils ont reçu plusieurs premiers prix notamment lors du 4eme concours International de Chorale Robert Schumann ainsi qu’au concours a cappella Jugend Kulturell (2004), au concours international pour ensembles vocaux en Finlande et au 37ème Concours Choral de Tolosa en Espagne (2005). En 2009, les chanteurs ont reçu l’ECHO Klassik.

Une partie de leur travail est consacrée à encourager la nouvelle génération, ils pratiquent l’enseignement et font de nombreux ateliers à Leipzig ou au gré de leurs voyages. Il n’est pas étonnant que Calmus avec leur line-up unique de soprano, alto, ténor, baryton et basse gagne de plus en plus de fans à travers le monde.

DIVA OPERA

Diva Opera a été créée en 1996 par Anne Marabini Young et Bryan Evans et s’est aujourd’hui imposée comme l’une des principales troupes d’opéra de chambre anglaises. Ceci est le résultat de ses productions de très haute qualité qui réunissent des artistes, des metteurs en scène et des designers des plus prestigieux opéras, tout en présentant de jeunes chanteurs parmi les plus talentueux de leur génération.

Chaque année, Diva Opera donne plus de 50 représentations à travers la France, la Suisse, les îles franco-britanniques, et la Grande-Bretagne. Pendant plusieurs années la troupe a tourné avec le ténor international José Carreras, et en mars 2004 elle a eu l’honneur de jouer La Cenerentola de Rossini à la Fenice de Venise.

Diva Opera est régulièrement invitée au Festival d’Opéra Les Azuriales de Cannes et Nice, au Festival de la Vézère, aux Nuits Musicales en Vendée Romane, à l’Eté Musical de Dijon, aux Heures Musicales du Haut Anjou, aux Semaines Musicales de Quimper, au Festival Labeaume en Musique, au Festival Les Nuits de la Citadelle à Sisteron, au Festival des Yvelines, au Théâtre de l’Olivier à Istres, au Pin Galant à Mérignac, au Domaine des Vaux à Jersey, au Whittaker Hall à Guernesey, et au Théâtre du Passage à Neufchâtel.

Diva Opera donne également de très nombreuses représentations pour des récoltes de fonds en faveur d’associations caritatives telles que Hope and Homes for Children, la Croix Rouge anglaise, Children with Leukaemia, Marie Curie Cancer Care ou The Stroke Association.

En concert, Diva Opera est invitée dans des lieux prestigieux tels que St John’s, Smith Square et le Wigmore Hall de Londres en présence de la princesse royale, la princesse Alexandra et le duc de Kent.

Depuis 15 ans (2010 à aujourd’hui), la troupe se renouvelle et présente un large panel de programmes :

Bizet : Carmen
• Donizetti : Lucia di Lammermoor, L’Elixir d’Amour, La Fille du Régiment
• Humperdinck : Hansel et Gretel
• Mozart : L’Enlèvement au sérail, La Flûte enchantée, Così fan tutte, Don Giovanni, Les Noces de Figaro
• Puccini : Tosca, Madame Butterfly, La Bohème
• Rossini : La Cenerentola, Le Barbier de Séville
• Strauss : La Chauve-souris
• Tchaïkovski : Eugène Onéguine (notez l’accent sur le « é » et la correction du nom)
• Offenbach : La Belle Hélène, Orphée aux Enfers, Les Contes d’Hoffmann
• Verdi : La Traviata, Falstaff, Rigoletto

APOLLO5

« Cohésion exceptionnelle et style sans effort… impeccable. ★★★★★ »
BBC Music Magazine

« Un spectre ininterrompu, [créant] l’illusion de forces plus importantes »
CHOIR & ORGAN

« Un chant exceptionnellement beau »
CLASSIC FM

★★★★★ – « économie juvénile et pleine de fougue »
THE OBSERVER

« Harmonieux sans la moindre concession à la qualité… l’auditeur captivé aurait bien du mal à trouver un défaut »
YORKSHIRE TIMES

Célébrant ses 15 ans en 2025, APOLLO5 continue de captiver, émouvoir et inspirer les spectateurs. Composé d’une soprano, d’une mezzo-soprano, de deux ténors et d’une basse, cet ensemble vocal britannique tire son nom du dieu grec de la musique. Appolo5 c’est cinq voix puissantes, grâce à une sonorité riche, dynamique et distinctive. Avec une approche versatile de la programmation musicale et un répertoire allant des œuvres chorales de la Renaissance au classique, du contemporain au folk, au jazz et à la pop, les cinq voix du groupe font revivre la musique de cinq siècles.

Le programme de tournées bien rempli d’APOLLO5 a mené le groupe en Europe, aux États-Unis et en Asie. En plus de se produire dans des salles prestigieuses au Royaume-Uni telles que le Wigmore Hall, le Cadogan Hall, St John’s Smith Square, le Royal Albert Hall et le Barbican Centre, le groupe a largement tourné en France, en Allemagne et dans d’autres pays européens, avec des apparitions récentes avec un orchestre à Lisbonne (PT) et un orchestre de cuivres à Prague (CZ). Le groupe est un invité régulièrement dans l’émission In Tune de BBC Radio 3 et passe souvent à la radio nationale, ainsi que sur d’autres stations britanniques telles que Classic FM, Magic Classical et NTS Radio. Les temps forts de la tournée 2024/25 incluent un voyage de trois semaines aux États-Unis, des apparitions à des festivals européens tels que Common Ground (NL), La Folle Journée (FR), et Koorfestival Vlaanderen (BE), ainsi qu’un concert au Barbican Hall dans le cadre des célébrations du 20e anniversaire du groupe frère VOCES8 en juin.

Le groupe est signé chez VOCES8 Records et a sorti six albums studio solo sous ce label. L’album « Haven », sorti en 2023 et suivi de critiques élogieuses, explore la musique de compositeurs torturés, déplacés ou persécutés et présente l’intégrale de la Messe à cinq voix de William Byrd. Leur discographie est aussi composée de « Where All Roses Go » et « O Radiant Dawn » (tous deux classés dans le top 5 des UK Classical Charts), le disque d’hiver « A Deep But Dazzling Darkness » et « Invocations », un trésor de chansons préférées enregistrées avec accompagnement de piano et composées ou arrangées par Fraser Wilson. En janvier 2025, APOLLO5 sortira son septième album, « Anam », un programme teinté de gaélique, une « musique pour émouvoir l’âme ». Pendant la pandémie, APOLLO5 a participé au lancement de LIVE From London, une série de diffusions en direct des plus grands ensembles vocaux et orchestres du monde. Ces concerts en ligne ont apporté de la musique dans les foyers de millions de personnes pendant la pandémie et ont permis de récolter des fonds pour plus de 500 artistes, compositeurs et équipes de production ; le festival continue de prospérer en ligne dans le monde post-pandémique d’aujourd’hui.

Dans le cadre de la Fondation VOCES8, APOLLO5 travaille aux côtés de VOCES8 et de Paul Smith pour offrir un programme de transformation de stages, de masterclasses et de concerts à plus de 40 000 jeunes chaque année au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Ces dernières saisons, le groupe a travaillé avec des milliers de jeunes et d’adultes à travers la France dans le cadre des projets de l’Association Sing’In. Ils se produisent dans des lieux mémorables tels qu’un stade de football, un cirque et une abbaye royale et ce, devant de larges publics. Une grande partie du travail éducatif d’APOLLO5 au Royaume-Uni est réalisée au centre de la Fondation The VOCES8 Centre située dans l’église St Anne & St Agnes au cœur de Londres. Ce projet, qui en est à sa huitième année, est soutenu par la Masonic Charitable Foundation, la Worshipful Company of Glovers, The Big Give Trust, ainsi que plusieurs fondations privées et généreux donateurs individuels.

Pour plus d’infos : www.apollo5.co.uk

Distribution

Clare Stewart soprano

Penelope Appleyard soprano

Josh Cooter ténor

Oliver Martin-Smith ténor

Greg Link basse

Conception & réalisation : Cereal Concept