JANOSKA ENSEMBLE

Un riche et passionnant voyage qui nous emmène là où aucun musicien n’est encore allé…

L’ensemble Janoska est composé des trois frères Ondrej, František et Roman Janoska, originaires de Bratislava, et leur beau-frère Julius Darvas. Chacun des musiciens a suivi une formation classique soliste de haut niveau récompensée par de nombreux prix et la tradition musicale est profondément enracinée dans leur famille depuis plus de six générations.

Mais qu’est-ce que le « style Janoska », exactement ? Des œuvres classiques arrangées différemment, des influences qui se prolongent dans la musique d’aujourd’hui avec un art de l’improvisation, souvent oublié dans la musique classique. Ce style qui brise tous les genres et bouleverse le monde de la musique classique. apparaît comme une vision musicale inédite créée conjointement par les membres du groupe : un mélange d’éléments classiques, jazz, pop…une véritable synthèse créative dont la scène révèle les plus beaux atouts.

La formation slovaque donne en moyenne plus de 100 concerts par an dans toutes les salles et festivals renommés du monde entier.

Ils enregistrent chez Deutsche Grammophon. En 2016, leur premier album « Janoska Style » a été aussitôt acclamé par la presse et rapidement récompensé. En 2019, paraît leur album « REVOLUTION », enregistré dans les légendaires studios Abbey Road à Londres. En 2022, « The Big B’s » remporte également un franc succès et se hissent dans les meilleures ventes du label.

Ondrej JANOSKA, violon
Roman JANOSKA, violon
František JANOSKA, piano
Julius DARVAS, contrebasse

Tatarstan National Symphony Orchestra

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan (TNSO) est mondialement reconnu pour ses performances sophistiquées et ses programmes éclectiques. L’orchestre a été créé à l’initiative de Nazib Zhiganov, ancien président de l’Union du Tatarstan et doyen du Conservatoire de Kazan. En 1966, il reçoit l’autorisation et le financement du Conseil des ministres de la république Socialiste Fédérative Soviétique Russe pour créer un orchestre symphonique. Le TNSO donne son premier concert le 10 avril 1967, avec un programme comprenant du Bach, Chostakovitch et Prokofiev et sous la direction de son premier chef et directeur musical, Natan Rakhlin.

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan, désormais sous la direction d’Alexander Sladkovsky, joue régulièrement dans les grandes villes de Russie, mais se produit également dans le monde entier à l’occasion de festivals comme les Saisons de Rakhlin, White Lilac, l’Automne de Kazan, et le festival de musique contemporaine « Concordia », au Festival Crescendo, Stars on Baikal et The Cherry Orchard.

Le TNSO a une grande tradition de collaboration avec les plus grands solistes instrumentaux et vocaux à l’image de Krzysztof Penderecki, Galina Vishnevskaya, Irina Arkhipova, Olga Borodina, Hibla Gerzmava, Albina Shagimuratova, Simone Kermes, Plácido Domingo, Roberto Alagna, Dmitry Hvorostovsky, Nikolaj Znaider, Leonidas Kavakos, Sergei Krylov, Gidon Kremer, Pavel Milyukov, Lucas Debargue, Yuri Bashmet, David Geringas, Boris Berezovsky, Krzysztof Penderecki, Barry Douglas and Igor Butman et bien d’autres.

L’Orchestre est aussi reconnu pour son engagement social et altruiste : il a reçu le Prix Philanthrope de l’année deux fois de la part du Président de la République du Tatarstan.

De plus, l’orchestre soutient, grâce au projet « Republic’s Heritage », des jeunes musiciens et élèves du conservatoire grâce à des bourses et divers projets pédagogiques. L’orchestre a également développé un projet spécial pour aider les enfants handicapés grâce à la musique.

L’Orchestre Symphonique National du Tatarstan enregistre chez Sony Music Entertainment Russia et a également enregistré plusieurs albums chez Sony Classical et RCA Red Seal. Leurs concerts sont souvent retransmis sur Medici.tv et Mezzo.

SINFONIA VARSOVIA

En avril 1984, Yehudi Menuhin est invité par l’Orchestre de Chambre Polonais en tant que soliste et chef d’orchestre. Afin de faire face aux exigences du répertoire, l’orchestre agrandit sa formation. Ces concerts sont retransmis à la radio et à la télévision et rencontrent un accueil enthousiaste du public et des critiques. L’idée naît alors de créer un orchestre permanent composé d’instruments à cordes et d’une double section d’instruments à vents. A l’invitation du Directeur de l’orchestre, Franciszek Wybranczyk, Sir Yehudi Menuhin devient premier chef d’orchestre invité, qui prend alors le nom de Sinfonia Varsovia.

Sinfonia Varsovia se produit dans les salles les plus prestigieuses dans le monde entier : à New York (Carnegie Hall), Paris (Théâtre des Champs Elysées), Londres (Barbican Center), Vienne (Musikverein), Buenos Aires (Teatro Colon), Tokyo (Suntory Hall), Munich (Herkulessaal). L’orchestre est régulièrement par les festivals de Salzbourg, Gstaad (Yehudi Menuhin Festival), Aix en Provence, Montreux, La Roque d’Anthéron, Schleswig-Holstein, le festival Pablo Casals, Würzburg, Alte Oper (Frankfurt am Main), le festival « Music on the Sea », etc. La Folle Journée occupe une place particulière dans la saison artistique de l’orchestre. Invité par René Martin, le Sinfonia Varsovia se produit chaque année à Nantes, Bilbao, Lisbonne, Tokyo et Rio de Janeiro.

Le répertoire de l’orchestre est quasiment illimité, allant du 18ème siècle aux œuvres contemporaines. Sinfonia Varsovia a créé de nombreuses œuvres.

L’orchestre se produit avec les plus grands chefs d’orchestre tels que Claudio Abbado, Gerd Albrecht, Peter Csaba, Charles Dutoit, Rafael Fruhbeck de Burgos, Hans Graf, Leopold Hager, Jacek Kaspszyk, Kazimierz Kord, Jan Krenz, Emmanuel Krivine, Witold Lutoslawski, Paul Mc Creesh, Jerzy Maksymiuk, Yehudi Menuhin, Marc Minkowski, Grzegorz Nowak, Krysztof Penderecki, Michel Plasson, Mscislaw Rostropvitch, Volker Schmidt-Gertenbach, Jerzy Semkov, Antoni Wit, Bruno Weil… et les solistes les plus prestigieux tels que Salvatore Accardo, Piotr Anderszewski, Maurice André, Martha Argerich, Yuri Bashmet, Teresa Berganza, Rafal Blechacz, Alfred Brendel, Jose Carreras, Sarah Chang, Kyung-Wha Chung, Jose Cura, Placido Domingo, Augustin Dumay, nelson Freire, James Galway, Fou Ts’ong, Sharon Kam, Kiri Te Kanawa, Nigel Kennedy, Gidon Kremer, Alicia de Larrocha, Elisabeth Leonskaja, Christa Ludwig, Radu Lupu, Albrecht Mayer, Mischa Maisky, Yehudi Menuhin, Shlomo Mintz, Olli Mustonen, Anne-Sophie Mutter, Olga Pasiecznik, Murray Perahia, Maria Joao Pires, Jean-Pierre Rampal, Vadim Repin, Katia Ricciarelli, Mscislaw Rostropovitch, Heinrich Schiff, Henryk Szeryng, Maxim Vengerov, Andras Vollenweider, Christian Zacharias, Frank Peter Zimmermann, Tabea Zimmermann, Grigorij Zyslin.

Sinfonia Varsovia soutient également les jeunes artistes polonais, ils ont en outre travaillé avec les chefs d’orchestre Iwona Sowinska, Wojciech Rodek, Krzysztof Urbanski, les jeunes violonistes Agata Szymczewka, Jakub Jakowicz, Mariusz Patyra, Aleksandra Bucholc, Anna Gutowska, et les chanteurs Iwona Sobotka et Aleksandra Kurzak ou encore la pianiste Beata Bilinska.

Sinfonia Varsovia enregistre régulièrement pour Deutsche Gramophon, Decca, Virgin Classics, EMI, Mirare, Naxos, Denon Nippon Columbia, Sony BMG ainsi que les labels polonais CD Accord, Polskie nagrania, Bearton & DUX et pour la radio polonaise. L’orchestre possède une discographie déjà riche de plus de 200 titres dont beaucoup ont reçu des récompenses prestigieuses telles que le Diapason d’Or, le Grand Prix du Disque et plusieurs « statuettes Fryderyk » (récompense polonaise). Parmi les nombreux enregistrements, on peut citer l’album « Polish symphonic music of the 19th century » (CD Accord/Radio polonaise), « Martha Argerich – live in the Grand Theatre-National Opera » (CD Accord), les enregistrements de la 3ème Symphonie de Gorecki (Naïve), les Concertos pour piano de Mozart avecPiottr Anderszewski (Virgin), les œuvres de Szymanowski dirigées par Jerzy Mksymiuk (Bearton) et l’album « la clarinette romantique » avec Sharon Kam (Edel Classics). Les 3 disques (Bach, Mozart, Haendel) avec Albrecht Mayer pour Deutsche Grammophon ont été un grand succès à la fois artistique et commercial, en tête des ventes pendant plusieurs semaines. L’album enregistré avec Nigel Kennedy et l’orchestre de chambre de Pologne « Polish spirit » avec Mieczyslaw Karlowicz et le concerto pour violon d’Emil Mlynarski (EMI) a été distribué dans le monde entier et a largement contribué à la promotion de la musique polonaise. L’orchestre a également enregistré beaucoup de disques sous la direction de Yehudi Menuhin, notamment les intégrales des symphonies de Beethoven et de Schubert pour IMG Record en 1996 à l’occasion du 80ème anniversaire du maestro.

Krysztof Penderecki, chef invité du Sinfonia Varsovia depuis plusieurs années, devient en 1997 directeur musical, puis en 2003 directeur artistique de l’orchestre. Sinfonia Varsovia joue régulièrement ses œuvres dont Sinfonietta per Archi, Sinfonietta n°2, Concerto pour flûte, Concert pou ralto (également une version pour violoncelle et clarinette), Stabat Mater, De Profundis, Credo, Sept Portes de Jérusalem. Krysztof Penderecki a enregistré plusieurs disques avec Sinfonia Varsovia dont un album avec ses œuvres.

Depuis juin 2008, Marc Minkowski est le directeur musical de Sinfonia Varsovia.

Depuis le 31 décembre 2007, l’orchestre opère depuis le St. I. Witkiewicz Studio Art Centre à Warsaw.
Le 1er janvier 2008, Sinfonia Varsovia Orchestra devient une institution culturelle du conseil.

Le coordinateur de l’orchestre est la capitale de Varsovie.

En 2010, Sinfonia Varsovia Orchestra a eu une nouvelle maison au 272 Grochowska Street à Warsaw’s Praga District. Cette année, les autorités de la ville de Warsaw ont annonce une compétition concours international pour la conception d’une salle de concert et le développement architectural du nouveau siège de l’Orchestre. Le dessin gagnant a été réalisé par l’Atelier Thomas Pucher de Graz (Autriche). En 2015, en présence de la présidente de la capitale Varsovie, Mme Hanna Gronkiewicz-Waltz, l’architecte Thomas Pucher et Janusz Marynowski, directeur de l’orchestre Sinfonia Varsovia, a été signé un contrat portant sur la fourniture de la documentation de conception pour une nouvelle salle de concert, pour Sinfonia Varsovia et pour le développement de la propriété située au 272, rue Grochowska. Le premier concert dans la nouvelle installation doit avoir lieu au printemps 2024

En 2019, l’orchestre Sinfonia Varsovia célèbre le 35e anniversaire de son activité.

Les activités artistiques de Sinfonia Varsovia sont soutenues par POLSERVICE Patent & Trademark Attorneys Office et BANK BPH.

En 2000, Franciszek Wybranczyk crée la Fondation Sinfonia Varsovia dont l’action contribue notamment à la promotion des compositeurs polonais et à la découverte des jeunes talents. La Fondation organise chaque année depuis 2000 à Varsovie le festival « Franciszek Wybranczyk -Sinfonia Varsovia pour sa ville ».

Le soutien principal de Sinfonia Varsovia est la ville de Varsovie.

SPARK – THE CLASSICAL BAND

Spark repense la musique classique. Le quintette présente Bach, Vivaldi, Mozart & Co dans un contexte rafraîchi et créée des liens avec les sonorités et l’esprit du temps présent. Classiques au fond d’eux-mêmes, se montrant indépendants, curieux et décalés à l’extérieur, les cinq musiciens plantent leurs idées dans un espace ouvert entre musique classique, minimal music, électro et avant-garde. Ils mélangent les styles avec enthousiasme et nonchalance et explorent les variations sonores qu’offrent leur riche collection d’instruments de plus de 40 flûtes différentes, violon, alto, violoncelle, mélodica et piano. Aucun morceau ne ressemble à un autre et, pourtant, tous portent la signature personnelle, unique de cet ensemble vibrant. Récompensé en 2011 avec le prix prestigieux «ECHO Klassik», la formation, qui existe depuis 10 ans, s’est fait une place solide à la tête de la jeune scène classique créative. Entretemps, le quintette est chez lui sur les scènes et dans les festivals les plus célèbres du monde entier, qu’il s’agisse de concerts de musique de chambre à cinq ou comme ensemble soliste avec orchestre. Le groupe est apprécié de ses fans surtout pour ses spectacles live enthousiasmants qui dégagent une puissante énergie. Sur scène, les cinq musiciens d’exception respire la vitalité débordante et la force vibrante d’un groupe de rock. Ensemble, ils présentent une musique passionnée qui met le feu. Ensemble, ils sont Spark.

Qualifié par le journal DIE ZEIT de «musique de chambre pour la génération Facebook», la musique de Spark, avec ses incisions rapides où coexistent et cohabitent des époques et des genres différents de manière évidente, est en phase avec l’époque et permet aussi à un jeune public d’accéder à la musique classique. Des sons techno actuels juxtaposés à une musique de ballet du jeune Mozart, des motifs de Händel séquencés, le final d’un concert Vivaldi remplacé par une minimal music néerlandaise, Couperin devient un collage d’ambiance ralenti, Mendelssohn est revêtu de couleurs folk avant-gardistes. Rien n’est un but en soi ou une pure recherche d’effets acharnée. Ici on travaille avec beaucoup de soin et de savoir-faire mais aussi avec la pincée nécessaire du plaisir d’expérimenter. La musique classique prend des tonalités d’ici et maintenant, jouée par des musiciens qui vivent leur message. «Ces artistes gardent à la musique classique toute sa complexité», selon le SÜDDEUTSCHE ZEITUNG, «ils changent seulement le contexte et montrent ainsi que pour eux, la pop musique fait autant partie de la culture que la musique classique.» Le journal français L’ALSACE écrit: «Ici s’expriment cinq musiciens, qui sont, avant tout, des grands interprètes, des artistes confirmés, maîtrisant pleinement la pratique de leurs instruments, ce qui leur permet de jouer toutes sortes de musiques, sans se cantonner dans un genre». Le journal DIE WELT parle d’«un groupe très, très calé» et DE VOLKSKRANT néerlandais compte Spark parmi les quelques ensembles «qui ont le potentiel d’associer de manière convaincante les influences de la pop et de la dance à la musique classique.» Le AMERICAN RECORD GUIDE voit dans Spark un «véritable phénomène de la scène musicale classique, qui ressemble à Yo Yo Ma ou au quartette Kronos, mais avec plus de vivacité.»

Outre les œuvres classiques intelligemment arrangées, Spark porte principalement attention à la musique moderne et collabore avec un cercle de compositeurs internationalement connus. Notamment Johannes Motschmann, Chiel Meijering, Kenji Bunch, Kamran Ince, Roger Wanamo, Jonne Valtonen, Lev Ljova Zhurbin et Sebastian Bartmann ont créé pour Spark des œuvres sur mesure qui prennent en compte la large palette de sons et la virtuosité magistrale du groupe. Totalement différentes dans leur expression sonore respective, ces compositions ont en commun leur orientation sonore de base et l’assimilation des mondes musicaux les plus différents. Le résultat est un cosmos musical fascinant qui reste accessible à un large public. C’est une musique originale, mais pas contemporaine d’avant-garde ; une musique agréable à écouter, équilibrée, animée, qui révèle en même temps une apparence totalement moderne ; une musique jeune, par des jeunes, mais des jeunes ayant déjà de la bouteille. Les compositions personnelles des membres du groupe enrichissent l’éventail de l’ensemble et soulignent la position des cinq musiciens. Ils ne se considèrent pas comme des interprètes purs, mais comme des artistes qui façonnent leur profil à tous les niveaux en toute autonomie et avec créativité. Ils représentent ainsi la nouvelle perception de soi d’une jeune génération de musiciens classiques qui redéfinit pour elle-même la vision de la tradition classique.

De nombreuses importantes salles de concert ont déjà accueilli Spark, parmi lesquelles le Wiener Musikverein, le Konzerthaus de Berlin, la Philharmonie de Cologne, le Alte Oper de Francfort, le Gasteig à Munich, le Concertgebouw à Amsterdam, le Barbican Centre à Londres, le Flagey à Bruxelles, le Gran Teatre del Liceu à Barcelone, le National Concert Hall à Taïpeh, le Shanghai Oriental Art Center, le Festival du Schleswig-Holstein, le Festival de la Rheingau, le Open-Air-Festival hollandais de musique classique Wonderfeel, le Festival Musiq‘3, La Folle Journée à Nantes, Tokyo et Varsovie, Les Dominicains de Haute-Alsace à Guebwiller, le Festival C’es pas classique à Nice, le Musée en musique à Grenoble et le Festival de Musique de Menton. Depuis quelques années, le groupe se produit en outre régulièrement comme groupe soliste avec orchestres et jouent les premières d’œuvres spécialement écrites pour Spark et orchestre. L’ensemble s’est notamment produit en concerts avec le London Symphony Orchestra, le WDR Funkhausorchester Köln, le Opern- und Museumsorchester de Francfort, le Nederlands Kamerorkest, le Württembergisches Kammerorchester de Heilbronn et le Süddeutsches Kammerorchester de Pforzheim. Parmi les chefs d’orchestre avec lesquels Spark a collaboré, figurent Wayne Marshall, Sebastian Weigle, Hans Leenders, Ruben Gazarian, Peter Tilling, Timo Handschuh, Mark Mast et Markus Huber. L’approche radicalement nouvelle de Spark de la musique classique rencontre également un vif intérêt auprès des collègues musiciens d’autres secteurs et aussi en dehors de l’environnement classique traditionnel. Le beatboxer et finaliste de Supertalent, Robeat, a fourni des rythmes vifs pour le titre de Spark, Harde Puntjes. La chanteuse Kitty Hoff a interpreté la chanson populaire J’ai rêvé la nuit ajouté avec Spark. Et le DJ berlinois Emanuel Satie a fait résonner Candybox de Spark dans un remix passionnant. Il est donc pas étonnant que le groupe classique soit apprécié également dans les clubs de jazz, les festivals rock et pop ainsi que sur les scènes alternatives, notamment au Festival de la Reeperbahn à Hambourg, au Theaterhaus de Stuttgart, la Tollhaus de Karlsruhe, la Ulmer Zelt, l’E-Werk de Erlangen, le Kulturufer à Friedrichshafen et le célèbre club techno Berghain à Berlin. Dès que leur agenda le permet, Spark se rend en outre dans les écoles et centres de jeunesse, la plupart du temps en collaboration avec l’institution Rhapsody in School. Le groupe souhaite dès, aujourd’hui, faire la connaissance et comprendre les auditeurs de musique classique de demain.

En septembre 2010, le groupe a sorti son premier album, Downtown Illusions, qui faisait du creuset urbain une expérience musicale époustouflante. MUSIKWOCHE a classé l’album parmi «l’une des plus grandes surprises de l’année». AUDIOPHILE AUDITION a ecrit que «le groupe donne une expression radicalement innovatrice à la musique de chambre et la scène internationale en général». L’album devint un grand succès et se hissa à la 1ère place du classement Amazon de musique classique en Allemagne. En 2011, Spark a gagné le fameux prix «ECHO Klassik» dans la catégorie «Classique sans frontières» pour Downtown Illusions. L’année suivante, le groupe reprenait dans son deuxième album, Folk Tunes, des chansons populaires européennes en osant une réinterprétation actuelle et conquit une nouvelle fois la presse spécialisée. Le magazine RONDO résuma ainsi: «Chansons populaires avec propulsion à réaction» et la radio culturelle RBB déclara: «Avec une musicalité époustouflante, Spark brille au-delà de toutes les frontières du genre.» Dans son troisième album, Wild Territories, en 2015, le groupe Umettait surtout des accents contemporains et présentait des œuvres totalement nouvelles en provenance d’Allemagne, des Pays-Bas, de Turquie et des USA. NDR KULTUR désigna le mix éclectique rugueux du disque de «pure douche d’énergie» et le FONO FORUM qualifia la capacité technique des cinq musiciens de «simplement phénoménale». La publication actuelle de l’été 2017, Facets of Infinity, entraîne Spark comme groupe soliste dans l’œuvre du même nom du compositeur berlinois Johannes Motschmann avec le Opern- und Museumsorchester de Francfort sous la direction de Sebastian Weigle. Le FRANKFURTER RUNDSCHAU gratifia le morceau de «furie musicale, sonorités séduisantes et matérialité très claire». Outre les albums studio, il existe une multitude d’enregistrements radio et TV de nombreux concerts live de l’ensemble, notamment des chaînes ARD, ZDF, 3sat, SWR, NDR, WDR, HR, BR, rbb, Deutschlandradio, Radio Brême, Radio 4 Nederland, NPO Nederland, Radio Classique, Radio Musiq’3 et NHK Tokyo.

De façon surprenante, Spark met en lumière précisément un instrument controversé, la flûte à bec. Mais les fondateurs du groupe, Daniel Koschitzki et Andrea Ritter, tous les deux vainqueurs de grands concours solo internationaux à Londres et Montréal, jouent de l’instrument avec une telle verve que les premiers tons envoient sur orbite le cliché de l’instrument pour enfant, objet de moqueries . La SÜDWESTPRESSEViol félicite les deux flûtistes, «rarement la flûte à bec n’a été aussi rythmique, expressive et fulgurante». A leurs côtés trois partenaires à l’unisson, également lauréats de prix internationaux, le violoniste Stefan Balazsovics, le violoncelliste Victor Plumettaz et le pianiste Christian Fritz, qui partagent leur souhait de nouvelles formes d’expression et donnent un visage à la vision de Spark. Ensemble, les cinq musiciens conquièrent la scène avec une collection hétéroclite d’instruments. Cela va de la flûte à bec sopranino de 20 cm de long à la contrebasse à section carrée de 2 mètres de haut, du trio pour piano classique aux couleurs exotiques des flûtes modernes à une clé, un mélodica, une flûte à coulisse ou un intermède chanté spontané. C’est ainsi que Spark se découvre morceau après morceau. La surprise est au programme. Tout autour du globe, les gens se laissent entraîner par l’association experte de la tradition et des tendances et aiment le message de Spark: La bonne musique ne connaît pas de frontières!

VOCES8

« Le chant de VOCES8 est irréprochable dans la qualité de sa tonalité et dans l’équilibre. Ils apportent une nouvelle dimension au mot ‘ensemble’ grâce à un timing et une justesse méticuleux. »
Gramophone Magazine

« Le magnifique son de VOCES8, leur ensemble irréprochable et leur réactivité intense au texte, à l’harmonie et à la mélodie sont d’une qualité exceptionnelle. Les entendre chanter est un pur plaisir. »
BBC Music Magazine

« VOCES8 est le Rolls-Royce des ensembles britanniques a cappella. »
The Arts Desk

Andrea Haines, soprano
Molly Noon, soprano
Katie Jeffries-Harris, alto
Barnaby Smith, alto et directeur artistique
Blake Morgan, ténor
Euan Williamson, ténor
Christopher Moore, baryton
Dominic Carver, basse

L’ensemble vocal britannique VOCES8, nominé aux Grammy Awards en 2023, est fier d’inspirer son public à travers la musique et de partager la joie du chant. En tournée mondiale, le groupe interprète un vaste répertoire à la fois dans ses concerts a cappella et dans des collaborations avec des musiciens, orchestres, chefs d’orchestre et solistes de renom. La polyvalence et la célébration de l’expression musicale diversifiée sont au cœur de la philosophie de performance et d’éducation de l’ensemble.

Depuis sa création en 2005, VOCES8 s’est produit dans de nombreuses salles prestigieuses, notamment le Wigmore Hall, le Royal Albert Hall (BBC Proms), l’Elbphilharmonie de Hambourg, la Philharmonie de Berlin, la Cité de la Musique à Paris, le Konzerthaus de Vienne, le Tokyo Opera City, le NCPA de Pékin, le Sydney Opera House, le Mariinsky Theatre Concert Hall, le Victoria Concert Hall de Singapour, le Palacio de Bellas Artes à Mexico, entre autres. Cette saison, ils donneront plus de cent concerts dans le monde entier pour célébrer leur vingtième anniversaire, y compris un concert d’anniversaire au Barbican de Londres.

Ils ont collaboré en concert et en studio d’enregistrement avec des musiciens tels que Paul Simon, Jacob Collier, Eric Whitacre, Christopher Tin, Olafur Arnalds, Cody Fry, Rachel Podger, Jack Liebeck, Bomsori Kim, Jonathan Dove, Chanticleer, The King’s Singers, le Queensland Symphony Orchestra, l’English Chamber Orchestra, le Royal Philharmonic Orchestra, la Philharmonia Orchestra et bien d’autres.

VOCES8 est passionné par l’éducation musicale et est l’ensemble phare de l’association caritative « VOCES8 Foundation », qui promeut activement « L’éducation musicale pour tous ». Engagée dans un large éventail de travaux de sensibilisation, l’association touche jusqu’à quarante mille personnes chaque année. La fondation organise un programme annuel d’ateliers et de masterclasses au Centre VOCES8 à l’église St Anne & St Agnes de Londres. Elle attribue également huit bourses chorales annuelles à de jeunes chanteurs prometteurs grâce à l’initiative VOCES8 Scholars, qui sont liées à la Milton Abbey Summer School, où des chanteurs amateurs de tous âges apprennent et se produisent avec VOCES8. Aux États-Unis, la fondation VOCES8 USA soutient également douze boursiers talentueux.

L’esprit entrepreneurial et communautaire de VOCES8 est encouragé par les co-fondateurs Paul et Barnaby Smith. La pandémie de Covid-19 a donné à VOCES8 l’opportunité de transformer son offre déjà exceptionnelle en créant une nouvelle communauté en ligne, permettant au public d’interagir avec la musique classique de nouvelles façons. Des initiatives pionnières telles que le festival LIVE From London et l’Académie Digitale VOCES8 en sont issues.

LIVE From London a été créé en réponse spécifique à la pandémie. Acclamé pour son approche collaborative avec les artistes, la presse et les spectateurs du monde entier, l’équipe a réalisé dix festivals numériques à ce jour, diffusant plus de 150 concerts et vendant plus de 250 000 billets dans le monde entier. Cette saison comprendra des festivals en ligne pour Noël et l’été. L’Académie Digitale VOCES8 est un programme de chœur en ligne pour les lycées, collèges et individus, proposant des interactions en direct avec les membres de l’ensemble, des conférences en direct et enregistrées, ainsi que des ressources vidéo pour apprendre et interpréter de la musique allant de la Renaissance à nos jours. Les deux initiatives sont filmées par VOCES8 Studios, la société de production en interne.

En plus de leur travail en ligne, VOCES8 est régulièrement entendu sur des albums, à la télévision et à la radio internationale. L’ensemble est un artiste de Decca Classics, tout en publiant également sur son propre label, VOCES8 Records. L’enregistrement Decca Classics de « The Lost Birds » de Christopher Tin, avec VOCES8 et le Royal Philharmonic Orchestra, a été nominé pour un Grammy Award en 2023. Leur nouvel album, « Nightfall », sera lancé en septembre 2024. Parmi leurs sorties récentes, on trouve « A Choral Christmas » dans lequel VOCES8 se joint à son propre Chœur et Orchestre de la Fondation pour une sélection de chants de Noël, la première du Magnificat de Taylor Scott Davis « Home », dirigé par Eric Whitacre et « Seven Psalms » de Paul Simon, auquel VOCES8 a été ravi de participer.

VOCES8 est fier de travailler avec Ken Burton en tant que compositeur en résidence et Jim Clements en tant qu’arrangeur en résidence. L’ensemble a créé des commandes de Jonathan Dove, Roxanna Panufnik, Roderick Williams, Paul Smith, Jason Max Ferdinand, Jocelyn Hagen, Melissa Dunphy, Ken Williams, Taylor Scott Davis, Alexander Levine, Alexia Sloane, Alec Roth, Ben Parry, Ola Gjeilo, Mårten Jansson, Philip Stopford, Graham Lack, Thomas Hewitt Jones et Owain Park. Ils publient des arrangements de leur musique, des compositions originales et du matériel pédagogique via la nouvelle maison d’édition numérique VOCES8 Publishing, ainsi que E.C. Schirmer avec qui ils gèrent la série chorale VOCES8 Foundation, et Edition Peters, avec qui ils ont publié deux anthologies et une série de recueils de partitions. La méthode VOCES8, écrite par Paul Smith, est un outil pédagogique renommé et unique, désormais disponible en quatre langues, qui utilise la musique pour améliorer les compétences en calcul, en lecture et en linguistique.

La gestion générale de VOCES8 est assurée par Robin Tyson chez Podium Music Ltd.

ENSEMBLE CALMUS

Un mélange parfait de son, précision, légèreté et d’esprit. Telles sont les caractéristiques  de Calmus, qui est aujourd’hui l’un des groupes vocaux les plus renommés en Allemagne.
L’ensemble a réussi à forger un son raffiné que peu de groupes réussissent à atteindre. Leur large répertoire, leur imagination, leurs couleurs musicales et leurs succès à chaque concert sont soulignés par la presse.

Calmus est un groupe vocal de la ville de Bach, Leipzig. En 1999, les chanteurs se produisent pour la première fois en public avec leur ensemble tout juste créé, et le succès est au rendez-vous.

Ils ont depuis remporté un grand nombre de concours internationaux et se produisent en Allemagne, Belgique, Luxembourg, Suisse, France, Autriche, Irlande, Finlande, Portugal, Espagne et Amérique du Nord et du Sud. En 2010, le quintette a fait son premier concert au Carnegie Hall de New York. Calmus participe également à plusieurs festivals tels que le Bach-Festival de Leipzig, la Semaine Internationale du Chant a cappella à Hanovre, et au Schleswig-Holstein-Music Festival, où ils donnent aussi des Master Classes.

Ils s’inscrivent dans la tradition vieille de presque 800 ans du chœur de Saint-Thomas de Leipzig. En dehors de J.S. Bach et de la musique allemande de la Renaissance et du Baroque, du Chant Grégorien, leur répertoire couvre aussi la musique romantique et contemporaine, du pop, folk et jazz. Les chanteurs se prêtent aussi volontiers à des projets transdisciplinaires.

En 2002, l’Ensemble Calmus a été choisi pour participer au concours national « Konzerte Junger Künstler ». Ils ont reçu plusieurs premiers prix notamment lors du 4eme concours International de Chorale Robert Schumann ainsi qu’au concours a cappella Jugend Kulturell (2004), au concours international pour ensembles vocaux en Finlande et au 37ème Concours Choral de Tolosa en Espagne (2005). En 2009, les chanteurs ont reçu l’ECHO Klassik.

Une partie de leur travail est consacrée à encourager la nouvelle génération, ils pratiquent l’enseignement et font de nombreux ateliers à Leipzig ou au gré de leurs voyages. Il n’est pas étonnant que Calmus avec leur line-up unique de soprano, alto, ténor, baryton et basse gagne de plus en plus de fans à travers le monde.

DIVA OPERA

Diva Opera a été créée en 1996 par Anne Marabini Young et Bryan Evans et s’est aujourd’hui imposée comme l’une des principales troupes d’opéra de chambre anglaises. Ceci est le résultat de ses productions de très haute qualité qui réunissent des artistes, des metteurs en scène et des designers des plus prestigieux opéras, tout en présentant de jeunes chanteurs parmi les plus talentueux de leur génération.

Chaque année, Diva Opera donne plus de 50 représentations à travers la France, la Suisse, les îles franco-britanniques, et la Grande-Bretagne. Pendant plusieurs années la troupe a tourné avec le ténor international José Carreras, et en mars 2004 elle a eu l’honneur de jouer La Cenerentola de Rossini à la Fenice de Venise.

Diva Opera est régulièrement invitée au Festival d’Opéra Les Azuriales de Cannes et Nice, au Festival de la Vézère, aux Nuits Musicales en Vendée Romane, à l’Eté Musical de Dijon, aux Heures Musicales du Haut Anjou, aux Semaines Musicales de Quimper, au Festival Labeaume en Musique, au Festival Les Nuits de la Citadelle à Sisteron, au Festival des Yvelines, au Théâtre de l’Olivier à Istres, au Pin Galant à Mérignac, au Domaine des Vaux à Jersey, au Whittaker Hall à Guernesey, et au Théâtre du Passage à Neufchâtel.

Diva Opera donne également de très nombreuses représentations pour des récoltes de fonds en faveur d’associations caritatives telles que Hope and Homes for Children, la Croix Rouge anglaise, Children with Leukaemia, Marie Curie Cancer Care ou The Stroke Association.

En concert, Diva Opera est invitée dans des lieux prestigieux tels que St John’s, Smith Square et le Wigmore Hall de Londres en présence de la princesse royale, la princesse Alexandra et le duc de Kent.

En 2004, Diva Opera a présenté Lucia di Lammermoor de Donizetti, La Cenerentola de Rossini et Die Entführung aus dem Serail de Mozart, en 2005, La Flûte Enchantée de Mozart, Eugen Oneguin de Tchaikovski et Tosca de Puccini, en 2006, le Barbier de Séville de Rossini, Cosi fan tutte de Mozart, l’Elixir d’Amour de Donizetti et Madame Butterfly de Puccini et en 2007, Don Giovanni de Mozart et La Traviata de Verdi, en 2008 La Belle Hélène d’Offenbach, Les Noces de Figaro de Mozart et Hansel et Gretel d’Humperdinck, en 2009 Cosi fan tutte de Mozart, Orphée aux Enfers d’Offenbach et La Bohème de Puccini, en 2010 Carmen de Bizet et Falstaff de Verdi, en 2011 Rigoletto de Verdi et la Fille du Régiment de Donizetti et en 2012 Tosca de Puccini et la Flûte Enchantée de Mozart, en 2013 La Traviata de verdi et Le Barbier de Séville de Rossini. En 2014, la troupe propose Don Giovanni de Mozart et les contes d’Hoffman d’Offenbach. En 2015, ils ont donné Les Noces de Figaro de Mozart et Lucia di Lammermoor de Donizetti. L’année 2016 est consacrée à Cosi fan Tutte de Mozart. En 2017, ils donnent La Bohème de Puccini. 2018 est consacrée à l’Enlèvement au Sérail de Mozart et Chauve Souris de Strauss. En 2019 ils reviennent avec Madame Butterfly de Puccini.

APOLLO5

« Cohésion exceptionnelle et style sans effort… impeccable. ★★★★★ »
BBC Music Magazine

« Un spectre ininterrompu, [créant] l’illusion de forces plus importantes »
CHOIR & ORGAN

« Un chant exceptionnellement beau »
CLASSIC FM

★★★★★ – « économie juvénile et pleine de fougue »
THE OBSERVER

« Harmonieux sans la moindre concession à la qualité… l’auditeur captivé aurait bien du mal à trouver un défaut »
YORKSHIRE TIMES

Célébrant ses 15 ans en 2025, APOLLO5 continue de captiver, émouvoir et inspirer les spectateurs. Composé d’une soprano, d’une mezzo-soprano, de deux ténors et d’une basse, cet ensemble vocal britannique tire son nom du dieu grec de la musique. Appolo5 c’est cinq voix puissantes, grâce à une sonorité riche, dynamique et distinctive. Avec une approche versatile de la programmation musicale et un répertoire allant des œuvres chorales de la Renaissance au classique, du contemporain au folk, au jazz et à la pop, les cinq voix du groupe font revivre la musique de cinq siècles.

Le programme de tournées bien rempli d’APOLLO5 a mené le groupe en Europe, aux États-Unis et en Asie. En plus de se produire dans des salles prestigieuses au Royaume-Uni telles que le Wigmore Hall, le Cadogan Hall, St John’s Smith Square, le Royal Albert Hall et le Barbican Centre, le groupe a largement tourné en France, en Allemagne et dans d’autres pays européens, avec des apparitions récentes avec un orchestre à Lisbonne (PT) et un orchestre de cuivres à Prague (CZ). Le groupe est un invité régulièrement dans l’émission In Tune de BBC Radio 3 et passe souvent à la radio nationale, ainsi que sur d’autres stations britanniques telles que Classic FM, Magic Classical et NTS Radio. Les temps forts de la tournée 2024/25 incluent un voyage de trois semaines aux États-Unis, des apparitions à des festivals européens tels que Common Ground (NL), La Folle Journée (FR), et Koorfestival Vlaanderen (BE), ainsi qu’un concert au Barbican Hall dans le cadre des célébrations du 20e anniversaire du groupe frère VOCES8 en juin.

Le groupe est signé chez VOCES8 Records et a sorti six albums studio solo sous ce label. L’album « Haven », sorti en 2023 et suivi de critiques élogieuses, explore la musique de compositeurs torturés, déplacés ou persécutés et présente l’intégrale de la Messe à cinq voix de William Byrd. Leur discographie est aussi composée de « Where All Roses Go » et « O Radiant Dawn » (tous deux classés dans le top 5 des UK Classical Charts), le disque d’hiver « A Deep But Dazzling Darkness » et « Invocations », un trésor de chansons préférées enregistrées avec accompagnement de piano et composées ou arrangées par Fraser Wilson. En janvier 2025, APOLLO5 sortira son septième album, « Anam », un programme teinté de gaélique, une « musique pour émouvoir l’âme ». Pendant la pandémie, APOLLO5 a participé au lancement de LIVE From London, une série de diffusions en direct des plus grands ensembles vocaux et orchestres du monde. Ces concerts en ligne ont apporté de la musique dans les foyers de millions de personnes pendant la pandémie et ont permis de récolter des fonds pour plus de 500 artistes, compositeurs et équipes de production ; le festival continue de prospérer en ligne dans le monde post-pandémique d’aujourd’hui.

Dans le cadre de la Fondation VOCES8, APOLLO5 travaille aux côtés de VOCES8 et de Paul Smith pour offrir un programme de transformation de stages, de masterclasses et de concerts à plus de 40 000 jeunes chaque année au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Ces dernières saisons, le groupe a travaillé avec des milliers de jeunes et d’adultes à travers la France dans le cadre des projets de l’Association Sing’In. Ils se produisent dans des lieux mémorables tels qu’un stade de football, un cirque et une abbaye royale et ce, devant de larges publics. Une grande partie du travail éducatif d’APOLLO5 au Royaume-Uni est réalisée au centre de la Fondation The VOCES8 Centre située dans l’église St Anne & St Agnes au cœur de Londres. Ce projet, qui en est à sa huitième année, est soutenu par la Masonic Charitable Foundation, la Worshipful Company of Glovers, The Big Give Trust, ainsi que plusieurs fondations privées et généreux donateurs individuels.

Pour plus d’infos : www.apollo5.co.uk

Distribution

Clare Stewart soprano

Penelope Appleyard soprano

Josh Cooter ténor

Oliver Martin-Smith ténor

Greg Link basse

Conception & réalisation : Cereal Concept